作者：马佳伟（中央美术学院油画系教授）

　　我接触主题性美术创作已有近十年时间。十年间，完成了《卢沟桥·1937》《她：长征路上的女红军》《港珠澳大桥》《唱响明天：打造千年雄安》《高度：5G雄安》《拔节生长》《信念：献给西路军女战士》等主题性美术作品。

《高度：5G雄安》 作者供图

　　随着创作实践的不断深入，我越来越真切地体会到这类创作沉甸甸的分量——主题性美术创作不仅要求创作者具备扎实的艺术功力，更要求他们以严肃、审慎的态度对待每一件作品。它不像一般创作那样可以完全凭个人兴趣自由驰骋，想怎么画就怎么画，而是要在尊重主题、尊重历史与现实的基础上完成个人的艺术表达。

　　主题性美术创作不能只停留在技法层面，更要回答“为谁画”的根本立场和“画什么”的时代命题，并以“怎样画”的艺术创新实现思想性与艺术性的统一。在艺术形式日趋多样的今天，选择从事主题性美术创作，意味着选择的不只是一个主题、一种艺术表达方式，更是一份社会责任与历史使命的自觉担当。

　　主题性美术创作不同于一般意义上的个人艺术语言探索，它往往直面历史与现实中的重大命题，面对广阔的社会生活，作品一旦完成，便不再是创作者个人的私语，而要接受时代与观众的检验。这种特殊性，要求创作者从一开始就要以更严苛的标准来要求自己。

《唱响明天：打造千年雄安》 作者供图

　　首先，主题性美术创作通常具有较强的叙事性，要求主题先行，也就是我们常说的“命题作文”。这要求画家要对主题进行深入的剖析和理解，在现实与历史的双重语境中把握所要表达主题的准确内涵，明确自身立场与站位。通过生活中的具体观察和深入研究，对主题进行新颖的、非概念化的解读。立意准确、高远，是主题得以可视化呈现的前提，它从根本上决定着一件作品的精神品质。

　　其次，对于所要表达主题的视觉内容，创作者需要深入现实生活或历史语境中广泛收集素材，并围绕核心立意进行合乎情理、合乎艺术规律的重构。素材的收集不是被动地照搬生活，而是一个甄别、取舍与提炼的过程，最终目的是让素材服务于立意，而不是让立意迁就素材。阿尔贝蒂在《论绘画》中关于历史画的表述，可以很恰当地说明这个问题。他把这类绘画比作文学作品，认为绘画是以视觉的方式叙述并再现某一事件的前因后果。对于典型瞬间、典型场景与典型人物的选择和组织，要求画家必须具备与主题相关的知识储备，以及很强的组织和叙事能力。

　　此外，艺术性表达是一件作品成功与否的关键。任何一种情感，如果找不到一种与之相适应的表达方式，就不可能被观众感知。因此，如何通过巧妙的构图，将事件的过程凝结于二维平面之中；如何通过造型语言，传达出人物丰富的心理活动与精神状态；如何通过色彩表达，创造出与主题相适应的氛围；又如何通过笔触肌理，增强绘画的丰富性与表现力——这些因素在主题性美术创作的过程中交织在一起，相辅相成。所以，从事主题性美术创作的艺术家必须具备良好的绘画基础，能够熟练地驾驭绘画语言，具备使绘画超越对具体事物表面再现的能力。这种具有典型性的写实，比现实本身更具表现力，也更令人信服。

　　由此可见，基于主题性美术创作的特殊性，创作者不仅要对主题作出精准的解读，把握其中的核心概念，发现并组织能够表现这一概念的典型形象，还要将典型形象组合成为画面，完成艺术性的表达。这些环节环环相扣，缺一不可。唯有经过艺术转化，素材才不再是生活的复制品，而是能够承载精神内涵的艺术形象。创作者的行为方式与审美趣味被保留在画面上，最终形成独特的面貌。

　　创作主题性美术作品的过程，犹如自编自导自演了一场静止的“话剧”，是一个思考与劳作的过程，是一个不断增加难度，不断调整自我的过程。必须处理好客观真实与艺术真实、个体视觉意识与主流视觉理想之间的关系，任何一方面偏离都可能导致作品出问题。

　　每一次接触新的主题，都要打破原有的舒适区，跳出先前为自己设定的小圈子。创作者不仅要面对艺术史上的经典，从中寻找可能性的坐标位置；还要站在一个时代乃至人类历史这样更宏大的范畴中，去探寻主题的表达方式。正是在这样的磨合过程中，个体得到了锻炼，认识得以深化，创作也随之走向深入。这也是主题性美术创作最吸引我的地方：它总在向创作者提出新的问题，促使我们在一次次攀登中不断超越自己。

　　《光明日报》（2026年10月07日 05版）